Les meilleures techniques cinématographiques

Par Benzakour Fatma Yasmine Publié Vendredi 15 Janvier 2021 - 11:40

Artsies

Pour faire une immersion totale dans le 7e art, Insecret vous propose cette semaine de découvrir quelques techniques de cinématographie créatives utilisées par les plus grands réalisateurs. Celles-ci permettent de créer du sens, et donc de toucher le spectateur, sans pour autant utiliser les mots, les couleurs ou la musique.

1. Dutch Angle : incliner l'angle de la caméra pour obtenir la désorientation et l'intensité

Lorsqu'un réalisateur choisit d'incliner l'angle de la caméra, on parle d'un "Dutch Angle".

Cette technique provient de l'époque de l'expressionnisme allemand, un mouvement cinématographique des années 1910-1930 caractérisé par une forte utilisation de l'abstraction, de la subjectivité et du mystère.

Elle est réalisée en permettant à la caméra d'être inclinée sur son axe, de sorte que l'horizon ne soit pas parallèle au cadre inférieur. 

Son emploi sert à créer un malaise, augmenter la tension ou évoquer l’effondrement psychologique d'un personnage.

2. La règle des tiers : une base solide pour tous les plans

Au cinéma, la règle des tiers est un guide visuel qui divise le cadre verticalement et horizontalement.

Les personnages ont tendance à être placés sur ou près des deux lignes verticales, les sujets importants étant placés sur ou près de l'une des quatre intersections, qui est l'endroit où l'œil tombe naturellement.

L'endroit où un cinéaste choisit de placer le sujet peut déterminer la puissance et l'importance qu'il reçoit.

3. One-Point Perspective : un point unique où le regard est naturellement attiré

Le cinéaste de génie Stanley Kubrick est célèbre pour avoir utilisé la composition pour susciter des réactions psychologiques chez le spectateur. Il utilise une technique de composition appelée "One-Point Perspective". Celle-ci peut être construite en plaçant la perspective de la caméra directement à l'opposé de la ligne d'horizon et du point central.

Avec cette technique, l'attention du public est toujours au centre de la scène (là où se trouve le point central). En plaçant l'attention sur un point particulier, il se demande si quelque chose va se passer, ce qui crée un environnement de tension et d'anticipation.

4. SnorriCam Shot : le plan à la « go-pro »

Il y a de fortes chances que vous ayez déjà vu ce type de plan rare au cinéma.

Voici pourquoi ce plan fascinant ne manque jamais d'attirer votre attention. Le plan est réalisé en fixant une caméra au corps de l’acteur, lui faisant directement face, de sorte que lorsqu'il marche, il semble ne pas bouger. Lorsque l'acteur se déplace, la caméra reste stabilisée alors que le fond se déplace, créant un sentiment de vertige, de panique ou de paranoïa.

5. L’éclairage Rembrandt : l'éclairage à 45°

L'un des modes d'éclairage les plus courants dans les films est l'éclairage du sujet à un angle de 45°.

Au cinéma, ce type d'éclairage est connu sous le nom d'éclairage Rembrandt. C'est l'une des techniques les plus populaires à Hollywood.

Nommé d'après le peintre hollandais du 17e siècle qui a utilisé cette technique, ce montage crée une profondeur cinématographique et tridimensionnelle sur le visage de son sujet. Elle consiste à placer la source de lumière à 45° du visage, créant ainsi un petit reflet sous l'œil le moins éclairé. L'effet dramatique peut être renforcé en ajustant la luminosité et l'angle.

6. Dolly zoom : une des techniques les plus déroutantes de tous les temps

Le dolly zoom est un effet de caméra dans lequel vous vous rapprochez ou vous éloignez d'un sujet tout en zoomant dans la direction opposée. Également connu sous le nom de zolly, ce plan crée un sentiment de malaise chez le spectateur, simule une distorsion spatiale et peut soit réduire soit accroître les distances en fonction du choix de la direction.

Le plan est essentiellement une illusion d'optique créée par un zoom avant ou arrière sur l'objectif de la caméra tout en déplaçant la caméra vers l'avant ou vers l'arrière. Le résultat est que le premier plan reste dans la même position alors que l'arrière-plan semble se resserrer ou s'étirer.

Ce plan est communément appelé plan vertigineux, ou effet vertigineux grâce au film Vertigo d'Alfred Hitchcock, qui l'a utilisé plusieurs fois et avec beaucoup d'effet. Voici un exemple du Dolly Zoom dans le légendaire film de Vincent Cassel, La haine.

7. Chiaroscuro : de forts contrastes entre la lumière et l'obscurité

Chiaroscuro est un terme italien utilisé pour décrire la technique d'utilisation du clair et du foncé dans une œuvre d'art, en particulier les peintures. Il vient à l'origine de l'époque de la Renaissance, et combine les mots italiens : "chiaro" signifiant "clair" ou "lumineux", et "oscuro" signifiant "obscur" ou "sombre".  Il fait référence à l'effet dramatique ressenti lors de l'utilisation de zones contrastées de lumière et d'obscurité dans une œuvre.

En cinématographie, le terme fait référence aux extrêmes de l'éclairage à faible et à fort contraste pour créer des zones de lumière et d'obscurité dans les films. Cela s'applique en particulier aux films en noir et blanc. Souvent, la lumière n'illumine que la moitié du visage du sujet, tout en masquant l'autre côté, ce qui lui donne une forme et un volume tridimensionnels.